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sábado, 29 de diciembre de 2012

Autoentrevista a los brujos


Versión individual de un colectivo

Rafael Araujo


Hay varias historias sobre un mismo hecho, especialmente si en él intervienen más de dos personas. En muchas ocasiones se convierten en leyendas y, a veces, en mitos. Supongo que ésa es la razón por la cual Barthes opina que los mitos son un habla y, como él afirma, no son un habla “cualquiera”.

Las historias se cuentan no solo desde el punto de vista de quienes en ella intervinieron. También participan quienes heredan el relato, ya sea porque lo escucharon de los interesados o porque alguien se los dijo. Lo cierto es que con el paso de las noches y días, los relatos son versiones indirectas sobre los acontecimientos, válidas pero modificadas pues están sujetas a interpretaciones.

Conscientes de esta situación, los integrantes del colectivo Lugar de brujos decidimos dos cosas: una, reflexionar sobre nuestra trayectoria grupal que es individual a la vez, porque una de las características que definimos cuando decidimos trabajar juntos fue la de respetar nuestra individualidad a pesar del colectivo. Y la otra, ofrecemos nuestra propia voz porque las interpretaciones son eso, solo interpretaciones que luego, con el tiempo y con los procesos oportunos, se convierten en verdades sociales y en mitos, ocasionalmente.

Al reflexionar sobre nosotros mismos, nos damos cuenta que sigue vigente una afirmación que ronda en el medio plástico tuxtleco: “Lugar de Brujos no existe”. En apariencia es una contradicción pues una constancia fehaciente de la existencia de Lugar de Brujos es este texto. La primera vez que llegó a nosotros este comentario nos movió a preguntarnos qué somos, y hasta ahora, seguimos con una sola respuesta: Lugar de Brujos. Eso somos. Por ello, no importa realmente si existimos pues la magia y la brujería no requieren de los parámetros tradicionales para observar la realidad y, al final de cuentas, consideramos que la creación artística es magia pura.

 Como este tema, hay otros que presentamos en esta autoentrevista realizada desde la mirada de uno de los integrantes del grupo, quien esto escribe por supuesto. Es nuestra mirada, individual y colectiva a la vez. La compartimos para que sea conocida y empiece su recorrido, camine y se tropiece, se levante y sea.

Va pues parte de lo expuesto por cada integrante esperando que les ayude a vernos con nuevas miradas.



1. Define el arte.

Beni (B): El arte es comunicación. La comunicación siempre ha sido importante en el ser humano, para ello tenemos el habla, el arte de escribir, el arte de la música y el canto, el arte del teatro… también tenemos el arte de la arquitectura, la escultura, la pintura, la gráfica, etc. Todas estas manifestaciones nos muestran una gama enorme de artistas.

Manuel Cunajmá (M): Considero difícil dar una definición porque el arte actual no tiene límites. Se ha vuelto muy diverso. Creo que es un lenguaje producto de la actividad, de la sensibilidad e inteligencia humana y en mayor o menor medida se origina de una intención o cuestión subjetiva, de un pensamiento, de una idea, de un concepto, por más simples o profundos que éstos sean. La mayoría de las veces los artistas utilizan códigos estéticos ya establecidos o en otras, parten de ellos para proponer nuevos, sin remitir a los códigos aceptados. Encontrar un lenguaje original es cada vez más complicado en el mundo del arte.

Roberto de la Cruz (RC): Es algo que transmite emociones al contemplar una obra.

Sandra Díaz (SD): El arte es la forma en la que el ser humano plasma de alguna manera una visión del mundo, al interpretar y reinterpretar el universo.

Sebastián Sántiz: (SS): Es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa a través de la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. El arte es un componente de la cultura, en su concepción refleja los sustratos económicos y sociales y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.

Sergio Domínguez (Se): Es la organización estética de experiencias del mundo y de la vida.



2. Explica qué significa el arte.

B: Del latín Ars y del griego Tecné. Ars significa acto mediante el cual valiéndose de la materia, la imagen o el sonido se expresa una concepción estética.

El vocablo ars simbolizaba una habilidad adquirida por la enseñanza de diferentes reglas o técnicas y su objetivo mayor es hacer algo bien, producto de una intensa vitalidad, en su elaboración es rico y complejo; el arte es un conjunto de movimientos y coloridos armoniosos donde juegan papel importante las sensaciones y la imaginación, una obra de arte expuesta al espectador encierra muchas preguntas sin respuestas y lo obliga a investigar.

 M: Considero su definición y significado algo complejo. Depende de qué enfoque le des. El arte significa tanto como lo que uno mismo esté comprometido con él, y los intereses o expectativas que uno tiene. El proceso de crear se vuelve tan superficial o profundo que su significado cambia. Pero cuando ya se tiene claro lo que se quiere, considero que se vuelve algo así como una forma de vida, como una religión o una creencia que se plasma mediante un lenguaje estético a veces, y otra, objetual, intelectual.

 RC: A través de una obra o actividad se genera el arte que a su vez se va relacionando con las tendencias de su tiempo.

 SD: Significa el pensamiento de una época, identifica a una cultura, transparenta la educación de un pueblo, evidencia los valores, los sinsabores, las injusticias, los sueños, las emociones, la belleza, la fealdad, la percepción del yo, la percepción del otro… significa poder, conocimiento, ideales, miedos, amor… significa todo aquello que a veces es difícil explicar con palabras.

SS: En la Antigüedad se consideró el arte como la pericia y habilidad en la producción de algo. Es solo hasta finales del siglo XV, durante el renacimiento Italiano, cuando, por primera vez, se hace la distinción entre el artesano y el artista (artesanía y bellas artes) y entre artesano, productor de obras múltiples y artista, productor de obras únicas.

 RC: El Arte es el acto o la facultad mediante la cual el hombre imita o expresa y crea copiando o fantaseando, aquello que es material o inmaterial, haciendo uso de la materia, la imagen, el sonido, la expresión corporal, etc., o, simplemente, incitando la imaginación de los demás. Un arte es una expresión de la actividad humana mediante la cual se manifiesta una visión personal sobre lo real o imaginado.

Se: La explicación corresponde a cada interesado en hacer o experimentar el arte, dependiendo del contexto social en que se encuentre.



3. Cuáles son las razones que te motivan a producir piezas de arte

B: Es el escalón para sentirme independiente y poder darle forma a esas emociones curiosas con la ayuda de los diferentes utensilios y mi imaginación. No estoy tranquilo hasta ver realizado el proyecto pictórico o escultórico.

 M: Algo de lo que me motiva es el deseo de plasmar mis inquietudes, lo que soy y lo que he vivido, lo aprendido. Otra razón es el deseo de comunicarme, de establecer un diálogo hasta cierto punto emotivo e intelectual, directo o indirecto, con las personas, mediante los colores, las formas, las texturas… Los poetas, los escritores, tienen la capacidad de provocar sensaciones y conocimiento, de develarnos algo sensible, cotidiano o extraordinario a través de la escritura. Algo parecido intenta el artista nada más que con medios plásticos, simbólicos. Algunas veces con un orden lógico y otras no. Aunque, aclaro; depende cuál sea el interés del artista. Unas veces éste puede ser puramente mercantil, otras expresar un pensamiento filosófico y otras una idea estética.

Desde pequeño me gustó observar las cosas, sobre todo a la naturaleza. En esa época; 1978 o 1980, la mayoría de las calles del barrio de San Francisco eran de tierra. No estaban pavimentadas. Recuerdo algunos juegos de la infancia. Lo que más me gustaba era la sensación de libertad, cuando el viento golpeaba mi rostro al correr. Disfrutaba de ella. Íbamos a jugar a La Lomita, debido a que la altura de ese lugar era ideal para volar papalotes porque corría mucho viento. Creo que esa sensación quedó grabada en mi interior. Quizás por eso soñaba con frecuencia que volaba sobre los tejados, algunas veces con una capa y otras sin nada más que agitando mis brazos. Tal vez era una metáfora del papalote. No lo sé. Ahora creo que duermo profundamente por que no recuerdo mis sueños.

Cuando comencé a pintar, encontré de nuevo esa sensación, de otra forma pero estaba ahí. Ahora cuando pinto trato de disfrutar lo que hago, a veces encuentro de nuevo esa libertad, aunque en otro contexto, de otra manera. El artista encuentra o debiera encontrar esa libertad creativa en su quehacer. En el momento en que se pierde esa sensación, creo que se hace necesario revisar el método con el que uno trabaja y modificarlo. O buscar otras maneras de resolver lo que uno hace.

RC: Surge de la necesidad de expresar una “realidad” o algo “lúdico” o como un reflejo predado.

SD: No se si lo que produzco tenga los estándares que la época requisita para ser consideradas piezas de artes. Produzco porque me apasiona la plástica, el dibujo es mi confidente, el grabado mi cómplice, la pintura mi amante, el barro mi detonante.

SS: El arte es la forma en la que me siento libre de expresar mis sentimientos y emociones a través de producir obras de arte. De esta manera el público tiene la oportunidad de conocer y de sentir las sensaciones a través del lenguaje que se transmite en cada una de las obras

Se: Para tratar de organizar mi experiencia sobre el mundo.



4. Señala qué técnicas de la creación artística te gustan más

B: Me gusta la escultura porque me atrae darle forma tridimensional a una piedra, barro o yeso; la acuarela también es una técnica interesante porque es rápida y sus tonos de colores son muy tenues; también me gusta el óleo y el acrílico, la tinta china, la serigrafía, y el grabado; son técnicas que me dan la oportunidad de trabajarlas detenidamente para que, al final, mi capacidad de asombro sea sorprendida con una buena impresión.

M: Desde un principio me atrajo la pintura. De pequeño disfrutaba mucho el dibujo pero siempre trataba de colorearlos… aprendí dibujando comics, era un lector asiduo de ellos. Así que trataba de pintarlos lo mejor posible, tal vez de ahí viene mi interés a la pintura, al color. Desde luego que ahora el dibujo es muy importante para mí debido a mi proceso de trabajo, no se nota demasiado, pero en la composición de mis obras ha sido y es fundamental. Ocasionalmente he trabajado el grabado, en mi etapa de estudiante conocí el aguafuerte, aguatinta, punta seca, linóleo. También la escultura. Aunque tanto el grabado como la escultura implican un espacio y herramientas muy específicas…la pintura en cambio es más práctica para mí y su proceso es más directo. Inicialmente trabajé óleo, después agregué polvo de mármol y collage. Actualmente y desde hace ya casi 10 años trabajo con el acrílico porque es de secado más rápido. Existen resinas sintéticas que al mezclarlas con el acrílico le dan consistencia espesa y un brillo similar al óleo. También he trabajado de manera intermitente desde 2008 la gráfica digital mixta o intervenida. A veces las fotos las hago yo y otras las busco en internet, las edito. Dejo solamente lo que a mí me interesa, después imprimo sobre papel y finalmente las termino con tinta, acrílico y lápiz.

RC: La escultura, la gráfica, el arte objetual y el de concepto. En cada técnica, siempre redescubro un mundo.

SD: En general todas las técnicas me agradan, pero entre ellas tengo a mis favoritas, en la pintura, el óleo; en el grabado, la punta seca; en la cerámica, el calado; en el dibujo, las tintas.

Estos últimos años me he dedicado de lleno al grabado porque tiene un lenguaje particular y cuando llegas a conocer las virtudes de cada herramienta, de la variedad de líneas, texturas y tonos que obtienes de cada una en particular siento la inquietud de que hay más aún por encontrar, es alquimia porque la línea que ves en la placa o la mancha no es la misma que aparece en el papel, incluso entre un papel y otro, entre una tinta y otra, varia el resultado. El grabado es algo más que una técnica de reproducción múltiple, es una gama de posibilidades estéticas si experimentas con todos los elementos que intervienen para su producción.

SS: Me gusta la técnica de oleo sobre lienzo o sobre madera ya que me da libertad de plasmar libremente cada una de mis ideas o sentimientos a través de los colores y las formas. Así mismo, me gusta experimentar la escultura a través del material como la piedra y la instalación. También me gusta el grabado sobre el linóleo o sobre metal.

Se: Las que se ajusten y apoyen lo que pretendo construir.


5. Define a los artistas más influyentes en tus trabajos artísticos

B: Los que vienen a mi mente son: Alberto Durero (1471-1528), Donato de Betto Bardi, Donatello (1386-1466), Miguel Ángel (1475-1564), Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660), Eduardo Manet (1823-1883), Pablo Cezanne (1839-1906), Paul Gauguin (1848-1903), Vincent Van Gogh (1853-1890), Joaquín Sorolla (1863-1923), Paul Gustave Doré (1833-1883), Fernando Botas Vera (de la Academia Mexicana de Ilustradores Científicos, AC), y los maestros: Alberto Beltrán, Óscar Vázquez Gómez y Luis Alaminos Guerrero.

 M: Una de las personas que más influyeron en mis inicios fue Manuel Velázquez, artista plástico chiapaneco. Cuando él llegó a la dirección de los talleres libres del ICACH descubrí que podía tener otras expectativas. No estoy seguro si fue en 1992 o 1993 que le conocí, pero influyó positivamente en mi interés hacia el arte. Incluso tuve una etapa en mis inicios en la que su obra influenció fuertemente mi trabajo. Siempre fue una persona que nos apoyó a Sebastián Sántiz y a mí.

Posteriormente conocí a través de libros la obra de muchos creadores de mi país y del extranjero. Picasso, Dalí, Lautrec, Van Gogh, Chagall, Matisse; todos o casi todos los ismos. Después conocí la obra de Tàpies y del Informalismo: Manolo Millares, Jean Dubuffet…el expresionismo abstracto y el neoexpresionismo alemán también son una de mis referencias. Aunque hay libros de arte muy especializados, no es tan sencillo encontrar esa información en la red. En fin, son muchos los creadores que me interesan. Miquel Barceló por ejemplo.

 Mi interés hacia la obra de Rufino Tamayo fue considerable; después lo que derivó en la llamada escuela oaxaqueña. Rodolfo Nieto por la fuerza en el color. Pero seguramente el artista que más me impresionó fue Francisco Toledo, su poderosa imaginación creativa, su color tan intenso y arraigado a las cuestiones de la tierra, de los mitos…

Actualmente trato de revisar a través del internet y de libros a diferentes artistas contemporáneos, sin importar su tendencia o nacionalidad. En fechas recientes, me impactó fuertemente la obra del alemán Anselm Kiefer, la de Basquiat, y la de Jeff Koons.

 RC: Los artistas del renacimiento, los objetuales y los conceptuales.

SD: Admiro el trabajo de los muralistas mexicanos por su capacidad de proyección, ideales que los acompañaron, así como por la paleta de color que es característica de su obra.

Definitivamente también admiro a aquellos artistas que se definen por su estilo y a otros más por su simplicidad.

SS: El maestro Luis Alaminos Guerrero, el maestro Óscar Vazquez Gómez, Manuel Velázquez, Masafumi Hosumi, Pëter Á Bar, entre otros.   

Se: Kiefer, Goya, Kubrick, los "Magi-cuentos", Bach, Jaco Pastorius, Caetano Veloso.



6. Ahora menciona a los que admiras

B: Me influyen y admiro a muchos artistas, en especial a los anónimos del arte rupestre, el prehispánico, el griego, el romano, así como también hay artistas recientes de épocas pasadas.

 M: Admiro la creatividad y a ésa la puedes encontrar lo mismo en un artista consagrado que en un principiante. De Tamayo admiro su color y su composición, de Toledo su poderosa imaginación lúdica, su imaginario fantástico, y el apego a sus raíces. Y de Kiefer la monumentalidad de sus pinturas matéricas; tienen una fuerza expresiva increíble.

RC: Creo que todo artista es digno de ser admirado y a su trabajo, no importa el tiempo histórico del que se trate.

SD: Sería una lista muy larga pero comenzaría con Goya, Tiziano, Miguel Ángel, Rodin, Botticelli, Caravaggio, Rousseau, Modigliani, Klimt, Egon Schiele, Picasso, Rivera, Tamayo, Siqueiros, González Camarena, Desiderio Hernández Xochitiotzin, , Remedios Varo, Leonora Carrignton, Maurizio Cattelan, Richard Phillips, John Currin, Escher, Toledo, Guy Langevin, Javier Marín por mencionar algunos.

SS: Al maestro Rufino Tamayo, Francisco Toledo, José Clemente Orozco, Frida Khalo, Julio Galán, José María Velazco, José Guadalupe posada.

Se: Veloso y Pastorius.


7. Cómo ves el panorama de las artes en México?

 B: Es la época que me tocó sentir, ver y tocar. Y como es costumbre, depende de los apoyos gubernamentales tanto para conservar y restaurar, como para producir; es cierto que los artistas tienen que ingeniárselas para crear en forma independiente y ser tenidos en cuenta.

M: No tengo los conocimientos suficientes, pero creo que al menos la plástica es variada y saludable. Hay destacados artistas de diferentes estilos. Lo que hace falta es que existan mayores recursos destinados a la cultura.

 RC: En general, el país ha tenido en todos los tiempos artistas plásticos muy importantes a nivel internacional. Por desgracia, a algunos políticos no les interesa el arte.

SD: Considero que en general el país tiene una vasta agenda de artistas con trayectoria así como de artistas emergentes, desafortunadamente no existen los recursos adecuados, ni la difusión, ni las políticas culturales para permitir su desarrollo y consolidarse como tales.

SS: Considero que hay un gran movimiento artístico, ya que México es el centro donde se concentra grandes cantidades de artistas nacionales e internacionales y por ello exististe la competitividad en la creación y recreación de las obras de arte.

Se: Cínico y sórdido.


8. Y el de Chiapas?

 B: En Chiapas no es distinto. Ahora, con la licenciatura en artes visuales de la UNICACH formando nuevos valores, lo hace más agradable y competitivo.

M: En mi opinión hay un número reducido de creadores con una trayectoria consolidada que no viven en Chiapas: Reynaldo Velázquez, Roberto Cortázar, Raymundo Sesma, Luis Estrada, Luis Aguilar, Manuel Velázquez, este último aunque regresó a Chiapas emigró después a Jalapa donde ha echado raíces. Esto es algo que tienen en común y creo que es significativo: el hecho de no radicar en nuestro estado. Raymundo Sesma y Roberto Cortázar por ejemplo, no sé si de vez en cuando vienen a Chiapas, es decir, qué tan fuertes vínculos tienen. Otros se han quedado aquí y han logrado sobresalir en el ámbito local posicionándose como artistas que hacen obra para espacios públicos. Gabriel Gallegos, Manuel Suasnávar, Robertoni Gómez, y anteriormente el maestro César Corzo (ya bastante grande de edad). Existe un tercer grupo- aunque no agrupados como colectivo- muy amplio, heterogéneo con propuestas atractivas unas, interesantes otras que sin embargo todavía están en esa búsqueda de consolidar su presencia y dar el salto. Destaca para mí la obra de Nacho Chincoya. Aunque no vivo ahí, conozco a otros artistas que viven y producen su obra en San Cristóbal: Antum Kojtom, Juan Chawuk que se han movido a otros espacios fuera del ámbito local. Extranjeros que radican ahí desde hace tiempo como Mark Harmon del cual aprecio especialmente una serie de acuarelas estupenda. También está la escuela de Artes Visuales en la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas. Ahí imparten clases algunos destacados y jóvenes artistas como Dinora Palma. Hay varios estudiantes con talento, aunque es difícil asegurar que seguirán produciendo su obra creativa después de egresar.

El grabado es una disciplina que es campo fértil para la creación en Chiapas. Sandra Díaz lleva algunos años trabajándolo al igual que Jaime Ignacio Martínez, y aunque me parece que Juan Ramón Lemus actualmente está explorando con arte objeto y formatos alternativos, tuvo una etapa productiva en grabado muy interesante.

 La escultura aunque menos explorada tiene una importante presencia. Luis Aguilar por supuesto y el mismo Reynaldo Velázquez tienen una obra muy destacada. Masafumi Hosumi, creador japonés lleva años viviendo en Chiapas con una producción constante. Aunque ahora se dedica más a la pintura, Sebastián Sántiz, artista de raíces indígenas tuvo una fuerte producción escultórica de tendencia primitiva. Beni y Rafael Araujo, lo mismo trabajaron la piedra o la madera y Roberto de la Cruz combinó piedra con materiales considerados chatarra para integrarlos a un discurso escultórico.

Actualmente hay algunos jóvenes que empiezan a destacar, algunos ya con ciertos reconocimientos en las Bienales locales, otros han incursionado en el grabado. Sería bueno hacer un análisis más profundo y preciso en este sentido. Los artistas que no están en Chiapas, si se fueron es porque aquí no encontraron las condiciones adecuadas para llevar a cabo su propuesta artística. O porque nacieron aquí pero su formación académica y profesional la han tenido fuera del estado. Derivado todo esto porque el movimiento cultural y el desarrollo profesional de las artes plásticas es todavía incipiente.

RC: El estado ha tenido y tiene artistas que han trascendidol.

SD: Chiapas se incluye en el panorama general de las artes en México, y su ubicación territorial ha provocado que los artistas locales desistan o migren hacia otros estados en busca de mejores oportunidades de desarrollo. San Cristóbal, puede ser una detonante que esté gestando una oferta cultural pero aun se encuentra luchando.

SS: Considero que en Chiapas hay grandes artistas chipanecos pero no se encuentra un gran movimiento artístico como sucede en el centro del país, hace falta una infraestructura cultural y educativa solida así como un circuito estable de galerías competitivas, falta de museos de arte contemporáneo

Se: Límbico.


9. Cuál crees que es la situación actual de los creadores en México y en Chiapas?

B: A la espera de una buena oportunidad.

M: Difícil. Hace falta que la cultura se arraigue en la sociedad. Lo primero con lo que se encuentra el artista es con la indiferencia de la gente. Pero esto es una cuestión que no es de ahora. Las mismas instituciones de cultura que debieran ser más eficientes en la administración de los recursos para la difusión de las artes no han hecho adecuadamente su labor. Si a esto le añadimos la falta de presupuesto para esta área, entonces el artista debe de ir a contracorriente, ingeniárselas para encontrar los espacios adecuados, los recursos para promover su obra. En resumen, especialmente en Chiapas hay muchos rezagos todavía y el arte no es ajeno a esto.

 RC: Ha sido un tanto dispar, supongo que se debe a la situación política que no ha permitido la existencia de un flujo de la cultura artística.

SD: La mayoría de las políticas culturales y el grueso de los recursos se destinan para eventos de difusión masiva los cuales no incluyen la difusión de las artes. Así mismo los programas educativos no involucran o involucran vagamente a la población con el arte; esto ocasiona que la obra de los creadores llegue a un público muy limitado. También es importante que los creadores se vinculen con espacios foráneos, y se establezcan redes.

SS: Considero que a los creadores de Chiapas les hace falta apoyo para promover y difundir las obras artísticas es por ello que mucho de ellos emigran a otros lugares para encontrar apoyo como en las ciudades de Oaxaca, jalapa y el distrito federal.

Se: Fluctúa entre la servidumbre, el cacicazgo y la visión obtusa.



10. En tu opinión, por qué hay pocos colectivos integrados por creadores plásticos?

B: Hay pocos colectivos porque también es un arte convivir y entender diferentes sentimientos unidos a favor del arte.

M: Tal vez porque es difícil trabajar con objetivos en común. Generalmente el artista no se compromete en colectivos y le gusta ser más individual. Considero que aportar y trabajar para los y con los demás no es muy sencillo y para algunos artistas no es algo prioritario. Por otro parte, al ser el artista un individuo, con sus ideas, sus principios y convicciones propias es lógico que existan pocos colectivos. Lo cual no significa que agruparse sea una traba, por el contrario puede ser una ventaja siempre y cuando exista compromiso, trabajo. Objetivos en común.

RC: Pienso que influyen varios factores que impiden a los grupos mantenerse por varios años.

SD: El trabajo en colectivo tiene sus ventajas y sus desventajas, en general la desintegración ocurre cuando no todos trabajan a la par, el artista es narcisista por naturaleza, y el trabajo en colectivo requiere el asumir roles, compromisos en conjunto y trabajar por el bien común.

SS: Considero que hay pocos colectivos ya que no es fácil trabajar como grupos por lo mismo que no compaginan en las ideologías de cada uno de ellos y por ello optan por trabajar individualmente

Se: Porque es difícil conciliar intereses cuando culturalmente te has formado para no colaborar. A fin de cuentas, como colectivos, tendemos a reproducir los vicios de la sociedad en que vivimos.



11. Qué te llevó a integrarte al colectivo “Lugar de brujos”?

B: No recuerdo el cómo, ni mi primer día en este colectivo “brujo”, pero lo que sí sé es que tengo muchas aspiraciones de seguir participando en sus proyectos.

M: El interés de formar una comunidad que tuviera las mismas intenciones, como producir y difundir el trabajo de cada integrante, ya sea de manera individual o colectiva. La amistad fue un factor aunque en su momento quizás no lo consideré algo tan importante. Es algo que se juzga y analiza con el correr del tiempo.

RC: Por su filosofía, centrada en difundir el quehacer artístico y que apuesta en cada proyecto nuevos retos.

SD: El destino los puso en mi camino, además de la empatía con los integrantes del grupo, y porque el trabajo en equipo se me da bien.

SS: El querer compartir ideas con otros compañeros ya que de esta manera considero que se enriquece mas mi lenguaje, atreves de la creación artística compartiendo ideas y experiencias con cada uno de los integrantes del grupo y así mismo tenemos un poco mas de facilidad para que las instituciones culturales del estado nos brinden la oportunidad de bajar proyectos culturales

Se: El interés por experimentar.


12. Cuál crees que ha sido la labor de este colectivo en la creación plástica de Chiapas?

B: En las actividades que realiza el colectivo participan la mayoría de pintores en Chiapas y con ello mantienen viva y activa la labor de difusión de la plástica chiapaneca.

M: Difundir su obra. Considero que después de doce años de trabajar, organizando exposiciones a nivel local, regional y algunas veces fuera del país, se ha logrado dejar una huella por lo menos en Chiapas. Dependerá del colectivo que se haga más profunda o no. Pero no ha sido solo eso. Uno de nuestros intereses ha sido difundir publicaciones editoriales ilustradas. Algunas veces acercándose a los escritores, haciendo una colaboración entre la poesía y las artes. Tal es el caso del libro Animales en su Tinta. Mención aparte es la trilogía Sabines Hecho para Niños, Rosario Castellanos Hecho para Niños y Rodulfo Figueroa Hecho para Niños, es una selección de algunos de los poemas más conocidos de su obra literaria enfocado a todo público aunque principalmente dirigido a los niños, con el afán de despertar su interés no solo hacia la lectura sino para que conozcan a nuestros poetas.

Otro interés ha sido el de darle vigencia y reconocimiento a la obra de creadores ya fallecidos, que el público actual sepa quienes son y la importancia que su obra ha tenido para el desarrollo del arte en Chiapas. Esto ha sido una iniciativa del colectivo. Tal es el caso de la exposición homenaje que se le organizó al maestro César Corzo en 2011, o la que en 2012 se le hará a los maestros Luis Alaminos, Héctor Ventura, Óscar Vázquez y Ramiro Jiménez Pozo.

Actualmente Lugar de Brujos se ha posicionado como un colectivo perseverante, hemos tratado de navegar de manera independiente aunque eso no significa que no busquemos a las instituciones porque para eso están. También nos hemos acercado a particulares, a la iniciativa privada para ofertar nuestro trabajo y nuestras habilidades aunque en este sentido nos falta mucho que hacer. La parte más difícil es la de hacer las gestiones. Desde luego que toda esta labor no sería posible si no hay detrás una producción constante.

RC: Ha contribuido al fortalecimiento de las artes plásticas de Chiapas.

SD: La labor ha sido ardua pues se ha incursionado en el campo de la gestión, la promoción y la creación artística, todo con el fin de socavar y remediar algunas de las deficiencias que el sistema cultural ofrece.

También se ha luchado por la conjunción y la participación de los creadores con trayectoria y de jóvenes talentos emergentes, con buenos resultados sin embargo es un trabajo que requiere muchísimo tiempo que se le resta a la creación de obra.

SS: La labor que ha venido asumiendo este grupo es la promoción y difusión de exposiciones colectivas e individuales y encuentros de artistas de otros estados e internacionales con el objetivo de enriquecer las manifestaciones artísticas de Chiapas

Se: Tratar de contradecir lo que comento en la pregunta antepasada.


13. Y en tu trayectoria?

B: Me ayuda a mantenerme activo, me obliga a la producción personal y a confrontar mi trabajo con los de otros artistas locales. Es una lucha interna porque me entusiasma el realismo puro pero trato de nutrirme con las tendencias nuevas y tomar ideas de los paisajes cotidianos, los comportamientos de los políticos, el pueblo, el comerciante, etc.

M: La difusión y promoción de mi trabajo. Lugar de Brujos ha apuntalado de forma importante mis proyectos personales. Otros los he impulsado individualmente porque es lógico que aparte de proyectos en común surjan algunos que se realizan de manera personal.

RC: Trato de transmitir una cultura de preservación de la naturaleza.

SD: En primera instancia es una experiencia de vida que me ha dado la oportunidad de conocer diferentes formas de pensar, de trabajar y de cómo se puede surfear y sobrevivir en el apasionante mundo del arte. Me ha brindado la experiencia en la gestión y la promoción.

Es importantes señalar que aquí aplica el dicho de que la “Unión hace la fuerza”.

Me compromete a trabajar más duro porque generalmente tengo proyectos personales, y siempre trato de cumplir mis compromisos con el colectivo.

SS: En mi trayectoria he tenido la oportunidad de exponer constantemente mis trabajos local y nacional para dar a conocer sencillamente los obras productivas que realizo en mi estado natal

Se: Aún no lo asimilo.


14. Te consideras un creador completo?

B: No, para nada.

M: No. Siempre hay algo nuevo que aprender, incluso en lo que uno cree que domina o conoce. Es importante revisar qué se está haciendo en otras partes. También es importante conocer y estar en contacto con otros artistas, yo creo que eso es algo que te da otras expectativas.

RC: Todavía no porque la creación artística es un proceso infinito.

SD: Me considero una creadora comprometida con la creación, con mis ideales, con el trabajo, con el público a quien presento mi obra.

Generalmente busco el intercambio con otros artistas, tanto local como foráneo porque considero que nunca se deja de aprender, y todas estas experiencias van nutriendo el arte, entonces es un proceso un camino que vas construyendo y la ventaja que le ofrece el arte es que nunca termina, el arte evoluciona.

SS: No puedo manifestar sinceramente como un creador completo ya que nada más los fines de semana le dedico el tiempo completo para mi creación artística y en el arte como se está en constante aprendizaje uno tiene que evolucionar.

Se: ¿Quién sería el estándar?



15. Cuáles son tus propuestas artísticas al trabajar tus piezas?

B: Abordo temáticas cotidianas, políticas y culturales con un tratamiento basado en el realismo puro aunque le incluyo tendencias nuevas.

M: Mi propuesta se basa en el color, la composición y algunos aspectos temáticos que han sido una constante en mi trabajo. Esto es, la zoología que me interesa sobre todo aquella relacionada a la tierra, al suelo. El paisaje también es algo recurrente en mi obra, aunque planteado más desde la memoria visual que copiar la realidad. Mi planteamiento formal se basa en eso. Algunas veces más abstracto, con un lenguaje ambiguo porque trabajo formas que pueden sugerir otras cosas y permiten al espectador que interprete mi obra.

RC: Considero que en cada pieza que trabajo está presente la realidad, lo que sucede en este mundo.

SD: Me agradan las formas orgánicas y a partir de ellas trabajo con conceptos, con ideas, la naturaleza es un fuente de inspiración que me rememora a cosas, es como si ella y nosotros fuimos uno mismo en algún momento y guarda mucho de nosotros en ella. Tiene un lenguaje oculto que me gusta inspeccionar.

SS: Es plasmar en cada una de mis obras la historia cultural de mi estado ya que conserva una gran riqueza de diversidad cultural tanto como en la lengua, como en la gastronomía, la poesía, los ritos y mitos que para mí es una manera de recrear la forma modelarla construirla, hacerla visible.

Se: Las que menciono en mi primera respuesta.



16. Consideras que el artista debe estar inmerso en la lucha por las mejoras de la sociedad donde vive?

B: Sí, con mi obra, trato de poner el granito de arena que como ciudadano me veo en la necesidad de luchar por la vida comunitaria.

M: Si él lo considera necesario…Hay artistas que no tienen conciencia colectiva, en cambio ven más hacia adentro, hacia ellos mismos y desde ahí hacen una aportación puramente estética. Desde lo que a ellos les inquieta e interesa. Otros en cambio tratan de aportar no sólo desde el punto de vista de la estética del arte, sino desde el orden de las ideas, de las demandas por mejoras en su entorno. En este sentido el artista también es o debería asumirse como un ciudadano, y no considerarse una especie aparte, aislada y desentenderse de su contexto social. Un ejemplo de un artista que se involucra en la sociedad, en su entorno; es Francisco Toledo.

RC: Desde la perspectiva del creador se va abriendo brecha de cambio, cambiar la realidad.

SD: Considero que todos debemos estar inmersos en la lucha por las mejoras en la sociedad donde vivimos y si el arte es una herramienta más para lograrlo pues adelante, considero que el arte debe ser libre y honesto y si cubre esta función bien por él. El arte tiene muchas funciones y si cumple alguna de tantas para mi ya cumplió. Lo que está vacío y hueco nunca llegará a ser arte.

SS: Si es fundamental estar inmerso ya que de esta manera se puede sensibilizar la sociedad a través del arte sin ello no tendría sentido hablar de un país, de un estado o una comunidad sin ir de la mano con las manifestaciones artística.

Se: Eso no depende del artista, sino de la sociedad.



17Cuál es el papel social del artista?

B: El último papel.

M: Yo creo que el artista debe ser un observador y dar su punto de vista a través de su trabajo. Cuestionar o simplemente exhibir los valores culturales de una sociedad que es diversa, despertar inquietudes, dudas o certezas en quien contempla su obra. Actualmente no es necesario que el artista produzca algo excelso o maravilloso, sino más bien confrontar mediante su trabajo al espectador. El artista no debería ser solamente un hacedor de imágenes que solo tengan como finalidad el disfrute estético, pero eso es una decisión particular. Creo que en el arte se permite todo siempre y cuando haya honestidad con lo que uno hace.

RC: La declaración referida a la superación del tradicionalismo en el arte y su aplicación en el ambiente socio-cultural.

SD: Es su participación activa dentro de la sociedad buscando los medios para la promoción y difusión de su obra, la obra que queda a nivel de estudio y no llega al receptor no está completa, las artes han sido el detonante de cambio en muchísimas sociedades y épocas; sensibiliza al individuo, una sociedad insensible provoca el ensimismamiento y el desinterés por el otro.

SS: Es transmitir a la sociedad la importancia del lenguaje que se manifiesta en cada creación de la obra artística ya que de esta manera se puede ir educando al público en general

Se: En nuestro país, ni siquiera llega a tener el del bufón.



18.- Y de sus piezas?

B: Hablando solas, en un rincón.

M: El papel de la pieza artística dependerá de cómo o para qué fue concebida. Algunas veces es de carácter ornamental, funcional o para hacer planteamientos estéticos, ideológicos, filosóficos, o para provocar. En sí la obra es un producto social y es el espectador o el crítico que le da un significado además del significado que el mismo artista le da.

RC: Las obras artísticas han sido tomadas como un medio de reflexión, conocimiento profundo y legado cultural.

SD: Comunicar, provocar algo en el receptor.

SS: Considero que es con el paso del tiempo en el cual la obra adquiere valor e influencia en la sociedad.

Se: La contemplación vacía y el monólogo.



19.- Menciona los tres colores que más te gustan y los tres que menos:

B: Los tres colores que me cautivan son el naranja, el ocre y el sepia. Los que menos: azul marino, rojo y rosa.

M: En general me gustan casi todos, depende cómo se combinen entre sí para que haya armonía o contraste. Aunque quizás por la temática me inclino a los cálidos, los colores tierra: ocre, sienas y naranjas. Utilizo como apoyo los verdes y violetas. El blanco puro y el negro los uso muy poco, y los azules los usaba al principio. Ahora más como un acento de color.

RC: Agua marina, verde militar y blanco. Me desagradan: rosa mexicano, rojo pastel y naranja fosforescente.

SD: El rojo en todos sus matices, el azul, el sepia.

SS: Me gusta el color azul, verde, ocre y gris obscuro Los colores que menos me gustan son la magenta, negro y el amarillo

Se: Negro, azul y verde; rojo, amarillo y naranja.



20.- Si tuvieras la oportunidad de volver a nacer y escoger una profesión, cuál escogerías?

B: Si tuviera que elegir una profesión en otra oportunidad, me inclinaría por la escultura.

M: Aunque es una profesión difícil volvería a elegir ser artista plástico. El proceso de la creación contiene una parte hasta cierto punto misteriosa. Me gustaría mucho ser un artista viajero. Conocer otras culturas y visitar los museos más importantes del mundo. Establecer un taller en un lugar determinado el cual fuera un punto de reunión de los artistas más destacados del panorama internacional.

RC: Biorobótico.

SD: No cambiaría nada.

SS: Escogería ser creador artístico de tiempo completo.

Se: Todólogo, cual debe ser en nuestros días.

miércoles, 26 de diciembre de 2012

Edith Piaff/La foule


Octubre. Juan Ramón Jiménez

Estaba echado yo en la tierra, enfrente
del infinito campo de Castilla,
que el otoño envolvía en la amarilla
dulzura de su claro poniente.
Lento, el arado, paralelamente
abría el aza oscura, y la sencilla
mano abierta dejaba la semilla
en su entraña partida honradamente.
Pensé arrancarme el corazón, y echarlo,
pleno de su sentir alto y profundo,
al ancho surco del terruño tierno,
a ver si con partirlo y con sembrarlo,
la primavera le mostraba al mundo
el árbol puro del amor eterno.
(1917)


Gouache de Rafael Araujo. 2012.
 

viernes, 2 de noviembre de 2012

2 de Noviembre de 2012

Panteón municipal de Tuxtla Gutiérrez



Bienvenido Quincho.



Encontré este video y qué mejor fecha que ésta para recordar al poeta nacido en Cabeza de Toro, Joaquín Vásquez Aguilar.

miércoles, 31 de octubre de 2012

A propósito de la flaca, en Noviembre

Su vida fue un suspiro
que engarzó la Virgen bella
en una reciente estrella
de su manto de zafiro

(Anónimo)

Rafael Araujo. "La puerta" acrílico sobre papel.

domingo, 28 de octubre de 2012

Rufino Tamayo - Documental


Fragmento de un poema de Arnaut Daniel

Foto. Rafael Araujo. 2011

"Cuando la hoja marchita cae desde lo alto de las ramas, y el frío aterra al mimbre seco, a la rosa silvestre y al espinillo, y despoja al soto del pájaro que otro no llama ya con su trino. Mis labios de amor resecos, duelen. Y aunque todo aquí se hiele, no siento frío. Porque un amor nuevo mi corazón reverdece. "
Arnaut Daniel.

Traducido al inglés por E. pound, y al español por J. J. de Natino

domingo, 19 de agosto de 2012

lunes, 30 de julio de 2012

lloro como un guerrero

(León Felipe 1884-1968)

Escuchadme ahora bien,
y quede esto claro en el proceso:
Muero como un soldado,
lloro como un guerrero.

Y lloro con los hombros,
con las uñas,
con el sexo,
con los músculos,
con las entrañas
y con el cerebro
para romper tabiques,
placentas,
términos,
lenguajes,
sepulcros,
tinieblas
y silencios.

(...)
Rafael Araujo. Dibujo a lápiz. 2008.

sábado, 28 de julio de 2012

No estuvo Dalí

Tuve la oportunidad de estar en el Museo Nacional de Arte, en la Ciudad de México. En este recinto se exhibe aún la muestra titulada "Surrrealismo. Vasos comunicantes". En la publicidad, el Munal dice que:
"La muestra busca presentar una crítica lectura de los alcances de esta tendencia artística en México; a propósito de señalar que el Surrealismo pudo fugarse de Europa y permanecer vivo y renovado en aquellas ciudades que acogieron a sus representantes en condiciones de exiliados."
Tal vez por esa razón, esta muestra sea una mirada parcial sobre esta tendencia artística que tiene ondas raíces que la vinculan con el simbolismo, por ejemplo en la siguiente obra (1947) de Gunter Gerzho:


Ahí se encuentran obras pocas veces vistas, de artistas que pensamos tienen un trabajo encasillado en otras corrientes artísticas como las siguientes piezas:
Carlos Mérida

Antonio Ruiz "El corcito"


También es posible ver obras de artistas que siempre hemos considerado en esta categoría:

Leonora Carrington
En fin, si es posible, nada mejor que ver las obras en ese marivolloso recinto del arte, el Museo Nacional de Arte, en la Ciudad de México. Mientras, que sea ésta una ventana para la magia y el color del surrealismo.

domingo, 8 de julio de 2012

Apropósito de los jóvenes en México

Se dice que existió una primavera árabe. Pero como México no es parte del mundo Islam, será que algún día se hablará del verano mexicano?

Por lo pronto, les dejo una versión de la realidad, a través de la música...

http://youtu.be/clr6pmOH10E

domingo, 17 de junio de 2012

Tributo a Luis Alaminos Guerrero, Ramiro Jiménez Pozo, Óscar Vázquez Gómez y Héctor Ventura Cruz


Exposición homenaje en el Museo regional de Tuxtla Gutiérrez

El arte actual de Chiapas es vigoroso y ofrece la oportunidad de un futuro brillante. Los jóvenes que eran cuando el milenio pasado agonizaba, han demostrado que los augurios escritos en los periódicos locales eran ciertos pues han roto las barreras de la localidad y ahora están presentes de manera constante en muestras nacionales e internacionales. 

En gran medida se debe al esfuerzo y talento individual. Sin embargo debe reconocerse la aportación de aquellos artistas que debieron emigrar para abrirse espacios propios, el caso más notable lo tenemos en Reynaldo Velázquez quien se formó inicialmente en Tuxtla para convertirse ahora, en referencia necesaria dentro del arte actual de México. 

Esfuerzo y talento no son suficientes, la labor del que enseña es fundamental para que ese talento se desarrolle y ese esfuerzo sea conducido hacia objetivos claros. Si la enseñanza va de la mano con un ejercicio profesional sólido, entonces, quien aprende, lo hace de mejor forma. 

Por eso, en esta exposición, se rinde tributo a cuatro grandes maestros del arte que tuvieron la generosidad de formar artistas en Chiapas. Lo hicieron desde la manera propia de cada individualidad, con la personalidad con que cada uno eligió el arte y la producción plástica como eje de su vida profesional. 

Son cuatro artistas que han marcado a otros artistas. Que les han enseñado a agarrar un pincel o una gurbia, que han demostrado que el arte nos hace más libres y nos enseña a conocernos mejor y a reconocernos en los demás. 

Para fortuna nuestra, todavía tenemos la oportunidad de encontrarnos con ellos, aunque físicamente ya no nos acompañen. En el trabajo que realizaron, presente hoy, aquí y ahora, los vemos. Por eso, y porque también la magia de la vista nos permite encontrarnos y encontrarlos, Lugar de Brujos les rinde tributo.

Luis Alaminos Guerrero. "Velorio"

Ramiro Jiménez Pozo. "Paisaje de Tuxtla"


Óscar Vázquez Gómez. "Sumidero al atardecer I"

Héctor Ventura Cruz. "Retrato de Fanny"


sábado, 9 de junio de 2012

domingo, 27 de mayo de 2012

Sin título

El que lleva la tristeza
por el polvo del camino,
verá mariposas blancas
y cristales y rocíos.
Juan Ramón Jiménez

Foto: Rafael Araujo. De la serie: Texturas urbanas. 2012.

domingo, 6 de mayo de 2012

Epitafio

A la memoria de Pepe López Arévalo y Blanca Margarita López Alegría, 
porque la palabra se quedará en la tinta 
al ellos partir.

"Epitafios"
(fragmentos)

II
Es mi lápida y mi nombre
que señalan el lugar
donde vino a terminar
mi existencia. No te asombre
que se vuelva polvo un hombre
después que vivió su vida
con deleite y sin medida;
debe asombrarte, el que llega
hasta la mortal entrega
sin llevarla consumida.

Elías Nandino

domingo, 15 de abril de 2012

Naturaleza muerta 3

Sí.
Te he espiado cuando caminas y recorres paisajes naturales. No me explico cómo logras cambiar las líneas sensuales de tu perfil por aquéllas donde la exactitud del trazo habita tus contornos y, entonces, entiendo por qué a veces eres todo corazón y después todo cálculo.

Atardecer en Tuxtla Gutiérrez. Foto: Rafael Araujo.

domingo, 1 de abril de 2012

Avances de una expo

Cuando acordamos con el Museo Regional participar en la celebración del Día Interancional de los Museos, el 18 de mayo, para este año, los integrantes de Lugar de Brujos, decidimos rendirle tributo a 4 grandes artistas chiapanecos. La labor de curaduría inició cuestionándonos cómo será esa actividad. No ahondaré en esos detalles, pero la respuesta la tenemos.

Por lo pronto, sépase que los homenajeados son Don Óscar Vázquez Gómez, Luis Alaminos Guerrero, Ramiro Jiménez Pozo y Don Héctor Ventura Cruz. De éste último, en el proceso de búsqueda, he tenido varios hallazgos, además de la fortuna de conocer un poco más de don Héctor y de las personas que tan amablemente me han dado la oportunidad de platicar con ellas, entre quienes puedo señalar: sra. Gloria D'amico y dra. Fany Kramski.

De la colección de la Sra. Linda Esquinca, les presento una miniatura de un tamaño no mayor a 5 cms, hecha a lápiz ca. 1984. No estará en la muestra por razones de exhibición, pero da cuenta del trabajo técnico que el maestro logró llevar a niveles excepcionales en el paisaje a lápiz.

Paisaje a lápiz de Héctor Ventura Cruz. ca. 1984

sábado, 24 de marzo de 2012

Naturaleza muerta 2

Las luchas internas entre el ser y el existir habitan bosques, montañas y ciudades. Nadie me ha dicho la razón, pero intuyo que se debe a tu presencia que va por el camino recorriendo la vida. A veces estás entre hojas, flores y frutos –se dice que sos el fruto prohibido del principio de los tiempos-, y otras, te veo entre las líneas exactas de la retícula arquitectónica de apariencia planificada. Sin embargo, me pregunto: ¿Dónde estás?
Corazón selva. 2011. Tinta sobre papel. Rafael Araujo.

domingo, 11 de marzo de 2012

Mariposa en el paraíso

Rafael Araujo. Mariposa en el paraíso. Óleo sobre tela. 2007.

Naturaleza muerta 1

Ésta es la ciudad que me habita. Nace contra la montaña del Sur. Aparece una casa, luego otra, se transforma en líneas que de tanto cruzarse parecen una retícula abstracta llena de colores. A veces, en ella, el humo de mis ojos se torna violáceo y el cuerpo de las mujeres son las letras del amor. Por eso, te invito a que la recorras, es probable que conmigo te extravíes en ella.

Rafael Araujo. Página interior. Libro 3: Naturaleza muerta. Mixta. 2012.

domingo, 29 de enero de 2012

domingo, 15 de enero de 2012

Minilibros de artista a punto de viajar por caminos diversos

Feliz 2012!

A punto de terminar una parte del proyecto de intercambio de libros de aritsta. Una experiencia inicada a través de la red. Parte de la maravilla es el misterio. Por eso, solo presento una probadita de mi producción que, en mi caso y solo en el mío, cada libro es único. El título, aún por definirse pero está relacionado con la ciudad, vua pues.



Libro 1, portada 1. 2011.


Libro 2, página interior. 2011.